Linkara

24.02.2007John Carpenter es un maestro del terror, ya sea que cuente con un presupuesto limitadísimo, como en el caso del clásico "Halloween", o que disponga de una cifra más generosa, como en "The thing", otro de los pilares de su extensa y fructífera carrera como cineasta.

Los protagonistas de "The thing" se enfrentan a una amenaza latente, que no tarda en materializarse y hacer realidad sus peores pesadillas. Y todo lo que ellos experimentan, es sufrido también (aunque afortunadamente sólo en el plano psicológico) por el eventual espectador.

Esta película tirne más de un punto de contacto con "Alien", de Ridley Scott, estrenada tres años antes. Tanto en una como en otra, un grupo de personas aisladas de la civilización son atacadas por una criatura asesina que no es de este mundo, y cuya destrucción resulta ser la más complicada y peligrosa de las empresas. Sus respectivos directores han sabido transmitir con enorme destreza la sensación de encierro y claustrofobia inherente a los lugares en que las respectivas historias transcurren (una nave espacial en el caso de "Alien" y una base antártica en "The thing"), y sus criaturas le han quitado el sueño a generaciones enteras. Si bien el alienígena de Scott es infinitamente más famoso que el de Carpenter, me atrevo a decir que este último es más escalofriante.

Gran parte del mérito recae sobre la persona de Rob Bottin, creador de algunos de los más increíbles y terroríficos efectos especiales que haya dado el género. Y todo fue realizado a la antigua usanza (nada de imágenes generadas por computadora), lo cual hace que su trabajo sea todavía más admirable. Pero fuera de esto, lo que hace tan escalofriante a la criatura de Carpenter es su capacidad de mutar, de adoptar la forma de cualquier ser vivo. Así, el alienígena puede ser un perro o cualquiera de los protagonistas, lo cual hace que el suspenso se transforme en una herramienta clave dentro del film. Y es precisamente la combinación de suspenso (que Carpenter maneja con mano maestra) y escenas alocadamente sangrientas, propias del mejor cine gore, lo que permite que la película funcione tan bien.

El sitio excesivamente frío y solitario en el que "The thing" fue filmada, así como la tensionante música compuesta por el gran Ennio Morricone, conrtibuyen a acentuar la atmósfera monstruosa que flota constantemente. Los nuevos directores tendrán que esforzarse mucho si desean superar esta brillante pieza de terror/ciencia ficción.

Lo mejor:
Este film es un auténtico clásico del género, y como tal, está llamado a vivir para siempre. Algunas escenas tienen la capacidad de hacerlo saltar a uno del asiento. No deja de asombrar.

13.12.2006Tim Robbins se luce en la dirección de este gran film, una historia de odio, muerte, venganza incomprensión, pero también de redención, de perdón y de amor.

El tema central, la pena de muerte, es espinoso. Tanto como pueden serlo el aborto o la eutanasia. Y como en ellos, muchas veces resulta difícil tomar una posición al respecto (y sobre todo sostenerla con fundamentos validos). La película pone todas las cartas sobre la mesa, mostrando las dos caras del ser humano: la del bien y la del mal.

La historia es poderosa, movilizadora de emociones fuertes y contrapuestas en mas de una ocasión. Por un lado se nos muestra la situación de un asesino y violador condenado a muerte, y por otro, el sufrimiento sin consuelo de los padres de las victimas. Así las cosas, emitir un veredicto resulta muy sencillo: el asesino debe pagar por lo que hizo. ¿Pero hasta que punto resulta correcto privarlo de su vida? ¿No es esto también un asesinato?

Quienes están a favor de la pena de muerte suelen ser entonces partidarios de la famosa y antigua Ley del Talión, que proclama severamente "Ojo por ojo, diente por diente". Pero quien pretenda "hacer justicia" de esta forma (pagando con la misma moneda), estaría rebajándose a la altura del criminal. Por otra parte, un daño irreparable como la perdida de un hijo no puede compensarse con otra muerte. Nadie esta facultado (ni debería creer que lo esta) para privar a otro de su vida, aun cuando presuntamente lo merezca, siendo la vida el don mas preciado y sagrado que nos ha sido entregado.

Matthew Poncelet (un magnifico Sean Penn) hizo las cosas muy mal. Es un asesino, un individuo lleno de odio, rencor, de ideas racistas y entregado a la vida fácil. Sin embargo, no es una bestia: es una persona, y necesita de alguien que lo salve. Allí aparece la Hermana Helen (Susan Sarandon, también brillante en su papel), y será ella quien lo redima, curando su odio con amor. Pero su tarea no será fácil, puesto que lo que mas cuesta, precisamente, es amar al enemigo, al pecador, al marginado. Seguir el camino de Jesucristo es duro, y pronto se ganara el repudio de quienes consideran que se ha puesto del lado de un asesino.

Lo mejor:
La temática, polémica y controvertida. Las actuaciones de Penn y Sarandon (sólidas y convincentes). El desarrollo de la historia.

Frases favoritas:
El personaje de Penn dice algo así como: "Matar esta mal, lo haga yo o el gobierno".

09.02.2007Corría el año 1984. James Cameron venía de dirigir "Piranha II: The Spawning", una película de terror cuya primera parte estuvo a cargo de Joe Dante. Con semejante antecedente, nadie hubiera imaginado que se despacharía con un film como "The Terminator", que marcó a fuego la historia del cine de acción y ciencia ficción.

Arnold Schwarzenegger, que hasta ese momento le había puesto el cuerpo a papeles de poca monta, fue lanzado al estrellato sin escalas gracias a su interpretación de la máquina asesina que le da nombre al film. El personaje del Terminator requería un rostro pétreo, inexpresivo. Era el papel perfecto para el fisicoculturista austríaco.

"The Terminator" ofrece el tipo de acción que no da respiro, que por momentos tensiona: algunas secuencias cuentan con una enorme capacidad para acelerar el pulso del espectador. Pero no es sólo eso: también hay buenas actuaciones (Linda Hamilton está espléndida como Sarah Connor, y Michael Biehn interpreta con soltura y de manera creíble a Kyle Reese), efectos especiales muy logrados para la época y dramatismo (derivado del convencimiento de que el Terminator es prácticamente invulnerable, y no se detendrá hasta cumplir con su objetivo). Todo esto está envuelto por un elemento clave, fundamental: una historia creativa y de enorme potencial, que refuerza la calidad del producto total.

Con "The Terminator", James Cameron le dio vida a uno de los más temibles y memorables villanos cinematográficos. Como contrapartida, presentó en sociedad a una de las heroínas de acción más recordadas. Y como si fuera poco, sumergió a generaciones enteras en una pesadilla que bien podría convertirse en realidad. Efectivamente, el guión de la película es en cierta forma profético. En el mundo actual, los seres humanos dependemos cada vez más de las máquinas. El número de tareas que les confiamos aumenta día a día. Están en nuestros hogares, en nuestros lugares de trabajo, en todos lados. Nuestra dependencia de máquinas de todo tipo es preocupante, ya que por un lado nos facilitan enormemente la vida, pero por otro, ya no sabemos vivir sin ellas. Somos esclavos de la tecnología. Partiendo del reconocimiento de esta premisa, la historia de Cameron no suena tan descabellada. Y precisamente por eso resulta tan efectiva.

Esta película es un verdadero clásico del cine contemporáneo. Resiste el paso del tiempo como pocas, y su influencia sobre otros films del género es incalculable.

Lo mejor:
Todo. Es una película increíble, de una fuerza inusitada. El tema principal de la banda sonora es inolvidable.

Frases favoritas:
El Terminator demuestra lo importante que es el cumplimiento de la palabra empeñada: "I´ll be back" ("Volveré"), dice con su voz grave, engrosando así la lista de las más célebres frases cinematográficas.

12.02.2007James Cameron afrontó en 1990 el desafío de hacer la secuela de "The Terminator", película que fue elogiada por prácticamente todos los sectores de la crítica e inmortalizada por el público como un clásico de la ciencia ficción. El resultado fue "Terminator 2: judgement day", que tomó por asalto los cines de todo el mundo un año después, convirtiéndose en un enorme éxito de taquilla. Con un presupuesto de aproximadamente 100 millones de dólares, esta película es más extensa que la primera, y cuenta con efectos especiales más complejos y verdaderamente asombrosos para la época.

La historia, que transcurre 10 años después de los acontecimientos de la primera parte, nos trae diversas sorpresas, entre las cuales la más destacada es el pase del personaje de Arnold Schwarzenegger al bando de los buenos. Algunas personas, encabezadas por Peter Travers, de la revista "Rolling Stone", cuestionaron esta movida, diciendo (palabras más, palabras menos) que la misma traicionava a la esencia del Terminator. Yo considero que fue una decisión inteligente: hacer que el objetivo de Arnold-Terminator fuese nuevamente eliminar a John Connor (futuro líder de la resistencia en la guerra contra las máquinas), hubiese sido limitarse a reproducir la primera parte, cambiando únicamente algunos personajes y escenarios de la trama. ¿Qué sentido tendría entonces hacer semejante cosa? Ninguno, pues si algo bueno ofrecen las segundas partes es, precisamente, la posibilidad de introducir giros interesantes en la historia (cosa que la enorme mayoría de los directores parece ignorar). Por otra parte, hay que tener en cuenta que el Terminator, técnicamente, no es ni bueno ni malo: simplemente cumple con la misión para la que ha sido programado, la cual puede consistir en exterminar o, por el contrario, proteger a una persona.

El papel del villano le ha tocado esta vez a Robert Patrick, quien ha logrado imprimirle a su personaje un aspecto auténticamente amenazador. Este nuevo Terminator (el T-1000) es más sofisticado que el ya conocido T-101, y su capacidad para transformarse en otras personas debe haberles proporcionado a los técnicos de Industrial Light & Magic más de un dolor de cabeza. Tenemos entonces, por un lado, un exterminador más implacable y difícil de destruir (su cuerpo de metal líquido absorbe las balas y se recupera de sus marcas instantáneamente). En la otra esquina, el viejo T-101 (con un peinado más "cool" que en "The Terminator"), que protegerá a John Connor con cada circuito de su cuerpo robótico.

En esta película, Cameron nos brinda ráfagas de acción sobrecogedora, suspenso y drama, pero también encontró lugar para algunos bocadillos cómicos. Esto y el hecho de que el personaje de Arnold aparezca más "humanizado" (por ejemplo: en su rostro se dibuja, eventualmente, alguna que otra sonrisa escueta) hacen pensar que "Terminator 2" es, comparativamente, menos obscura que su predecesora. Sin embargo, logra transmitir de forma más palpable la inminencia del ocaso (el sueño apocalíptico de Sarah Connor es estremecedor).

"Terminator 2: judgement day" es una pieza de colección. Su calidad es tan buena como la de "The Terminator", aunque el envase es absolutamente distinto. Cameron acierta nuevamente, logrando continuar de forma inteligente una historia impactante, instalando en la historia del cine a otro villano inolvidable y haciéndonos reflexionar, una vez más, sobre la naturaleza humana y el valor de la vida.

Lo mejor:
Es un film increíble, que seduce desde muchos costados. Destaco la cuota dramática que subyace en toda la trama, tan bien manejada en las actuaciones. La voz en off de Sarah Connor (Linda Hamilton, hecha una verdadera guerrera) aporta reflexiones de valor esencial.

Frases favoritas:
"- Hasta la vista, baby"

"- Porque si una máquina, un Terminator, puede aprender el valor de la vida humana, tal vez nosotros también podamos".

09.04.2007Antes de 1976, Sylvester Stallone era un actor poco conocido que había tenido papeles menores y protagónicos sin mucha importancia, incluyendo una aparición en "Bananas" (de Woody Allen), un trabajo en un film de Roger Corman y un debut en una película prohibida para menores. Cuando vendió el guión de "Rocky", se encontraba en bancarrota: éste era su último cartucho. Puso como condición que el papel principal debía ser para él, y así nació uno de los personajes más queridos y memorables del mundo cinematográfico. El film arrasó con los premios "Oscar" de 1976, llevándose, entre otras, la estatuilla a la mejor película (venciendo nada más ni nada menos que a "Network" y a "Taxi driver").

Nadie imaginó el gigantesco impacto cultural y el éxito que "Rocky" cosecharía. Se trata, en esencia, de la historia de Rocky Balboa, un boxeador de Filadelfia que nunca pudo alcanzar la gloria, y para subsistir trabaja como "cobrador" para un prestamista usurero de la ciudad. Hasta que un día, por un extraño giro del destino, Apollo Creed, el campeón mundial de los pesos pesados, lo elige para que lo enfrente en un combate por el título, en lo que comienza siendo un gran golpe de márketing a favor de Creed. Rocky tiene así la oportunidad de su vida, la chance de salir de su miseria y ser, por fin, alguien. ¿No es acaso esto mismo lo que le sucedió a Stallone? Por cierto, su personaje está lleno de ribetes autobiográficos: su origen humilde, su edad y su ascendencia italiana son algunos de ellos.

Gracias a este film, Sylvester se convirtió en una gran estrella del firmamento hollywoodense de la noche a la mañana. Es extraño que alguien a quien se suele considerar el paradigma de la mala actuación (los encargados de los "Golden Raspberry Awards", o simplemente "Razzies", no se cansan de "premiarlo") haya compuesto a un personaje como Rocky de forma tan atractiva, natural y convincente. Balboa no es un tipo de muchas luces, pero le sobra corazón, y a lo largo de la película consigue que los sentimientos del público hacia él vayan mutando de la lástima a la admiración. Al igual que el actor que lo encarna, Rocky es carismático y tiene, dentro de sus limitaciones, un enorme potencial. Sólo necesita que alguien crea en él, para poder creer en sí mismo.

Fundamentalmente, "Rocky" representa el espíritu de lucha, de superación. Nos muestra el enorme valor que tiene llevar una vida humilde (y no desde el punto de vista de los bienes materiales), más allá de que pocas personas sepan apreciar esta cualidad. Nos enseña que incluso las metas más lejanas pueden alcanzarse con esfuerzo, perseverancia y convicción. Lo importante es intentar, especialmente cuando no hay nada que perder.

"Rocky" debe su calidad a un guión bien construido; a una historia dramática, por momentos cómica y siempre emocionante, que llega al corazón; a sus entrañables personajes, en su mayoría representantes de la clase trabajadora (interpretados por un elenco 100% eficiente); la fabulosa y movilizadora banda sonora compuesta por Bill Conti (que rivaliza en fama con partituras de Ennio Morricone, John Williams y Nino Rota); y la acertada elección de locaciones. A estas alturas, escenas como las de Balboa golpeando una media res o subiendo a toda máquina los escalones del Museo de Arte de Filadelfia, forman parte de la cultura popular, y eso no es poca cosa. El tal Stallone disparó así su último cartucho. Y acertó.

Lo mejor:
La historia, los personajes, la banda de sonido, el mensaje.

Frases favoritas:
"- Escucha Bob: si quieres bailar, paga a los músicos".

"- Esta es la tierra de la oportunidad, ¿verdad?".

"- ¿Por qué peleas?

- Porque no canto ni bailo".

20.02.2007"Five easy pieces" es, con seguridad, la mejor película del realizador Bob Rafelson. Retratra la lucha interna del personaje de Robert Dupea (interpretado de manera brillante por Jack Nicholson, en su primer protagónico importante), quien pertenece a una familia de músicos con la que ha cortado vínculos. Un buen día, el grave estado de salud de su padre, con quien nunca tuvo una relación cercana, lo obliga a reunirse con ellos nuevamente. Pero el no encaja allí. Probablemente no encaja en ningún lado.

Este drama psicológico mezclado con "road movie" no debería faltar en la colección privada de ningún cinéfilo. Hay quienes consideran que se trata de un film que carece de dinamismo, y por lo tanto no logra mantener la atención del espectador. En mi opinión, si bien es cierto que la película posee un ritmo más bien pausado (acercándose al estilo de ciertos directores europeos), el mismo es el adecuado para el completo despliegue de la trama y para fortalecer el efecto de realidad con el que su director ha decidido revestirla. Efectivamente, la "acción" se desarrolla sin que casi podamos advertirlo, logrando que todo se parezca bastante a la vida misma.

"Five easy pieces" gira en torno a su complejo personaje central: Bobby (Nicholson), un eterno inconformista, incapaz de amar a nadie (ni siquiera a sí mismo). Él sólo quiere hacer su vida, eludiendo responsabilidades, no afrontando los problemas, escapando continuamente. Pero, ¿es posible vivir de esta manera? ¿Y si el problema no esta en los demás, sino en uno mismo? ¿Es posible escapar de uno mismo?

Rafelson, en el transcurso de la película, nos brinda distintas claves para responder a todos estos interrogantes. Uno comienza viendo a Bobby con ojos extraños: ¿qué le ocurre a este hombre, que maldice su trabajo, que desprecia a su novia, que observa la vida desde una posición tan cínica? Pero al final, es posible llegar a comprender por qué Bobby es como es y por qué actúa como lo hace.

Lo mejor:
Una historia contada de forma magistral. Pone sobre el tapete la vida de un personaje que pertenece a la contracultura, y se encuentra en una permanente búsqueda de su identidad, de su destino. Destacada actuación de Karen Black como Rayette Dipesto, la ingenua, sencilla y sufrida novia de Robert.

En general, todos los personajes lucen realistas, plenos en detalles y ricos en matices. Destaco también el gran atractivo de algunas escenas, bellamente fotografiadas por Laszlo Kovacs.

05.03.2007Imagino que si hay algo de lo que Francis Ford Coppola no se arrepiente es de haber estado al frente de "El Padrino", basada en el best-seller homónimo de Mario Puzo. Esta película, que alguna vez fue considerada una de las tres mejores de la historia del cine norteamericano, hizo que su director ascendiera a la categoría de peso pesado, puso al joven Al Pacino en boca de todos, sacándolo de su relativo anonimato, y le dio un nuevo impulso a la carrera de Marlon Brando.

El público tuvo así la posibilidad de observar de cerca, co0mo a través de una ventana indiscreta, el mundo privado de una familia de mafiosos ítalo-americanos, o si se quiere, de una organización criminal siciliana instalada en Nueva York. Y este mundo está regido por una serie de reglas tácitas, por ciertos códigos que nadie que pertenezca a él puede pretender desconocer. Es una especie de universo paralelo, donde la familia es entendida como una institución cuasi-sagrada, más asociada a la noción de clan que a la idea de un simple conjunto de individuos unidos entre sí por relaciones de parentesco. La lealtad o fidelidad es aquí el más apreciado de los bienes, y la falta de ella se paga siempre con sangre. El respeto al Don o Padrino, cabeza de la gran familia, es algo tan debido para sus miembros como lo es el cumplimiento de la ley para cualquier ciudadano responsable. Los favores no se olvidan, y su realización implica el derecho a exigir su devolución cuando así se requiera. La palabra empeñada se cumple siempre, pues faltar a ella es faltar al honor, y un hombre sin honor no es nada. Es, en definitiva, un mundo de poder, negocios, traiciones, manejos políticos y venganza, donde eliminar al enemigo (el que estorba, el q ue obstaculiza la concreción de los intereses de la familia) es moneda corriente.

Esta es la historia de los Corleone. Vito (Marlon Brando, tan cómodo en su papel como sólo un gran actor puede estarlo) es el Padrino: con un movimiento de la mano puede hacer que su voluntad se cumpla inexorablemente. Pero la suya no es la única familia criminal de Nueva York, y en cuestiones de negocios, siempre hay quien no queda conforme. Así, los problemas no tardan en cobrar una dimensión demasiado grave, a medida que la guerra entre las principales familias se torna más y más violenta. Cada una hará su jugada para sacar a los demás del camino, y consolidar así su imperio como el más poderoso.

Cuando Vito Corleone es gravemente herido, uno de sus hijos debe ocupar su lugar. El sucesor, luego de varios acontecimientos, resulta ser Michael (Al Pacino), quien hasta ese momento se había mantenido al margen de los asuntos de la familia, manifestando un expreso repudio hacia los mismos. Así, el que parecía ser el menos idóneo termina convirtiéndose en el nuevo Don. Michael ejerce su potestad con mano de hierro y de forma despiadada y despótica. A diferencia de su padre, no está dispuesto a perdonar, pues eso lo haría ver débil. Su rostro serio, imperturbable, irradia poder e inspira temor. Tenemos aquí una gran actuación de Pacino, cuyo personaje experimenta una transformación irreversible y radical, conforme se corrompe moral y espiritualmente, a punto tal que resulta ser una persona totalmente distinta al final del proceso.

Coppola, años más tarde, también dirigió la segunda y la tercera parte de "El Padrino", logrando una de las trilogías más respetadas que jamás se hayan filmado. Su reputación la tiene bien merecida. Me saco el sombrero ante esta verdadera obra maestra.

Lo mejor:
Esta película, clásico de clásicos, debe su grandeza a numerosos factores: la dirección de Coppola, la obra de Puzo, el extraordinario trabajo de un reparto estelar (que también estaba conformado por James Caan, Robert Duvall, Talia Shire y Diane Keaton, entre otros), los escenarios magistralmente escogidos y filmados, la hermosa y adecuada fotografía de Gordon Willis y la inolvidable música de Nino Rota.

Frases favoritas:
"- Le haré una oferta que no podrá rechazar"

14.12.2006Destila belleza por donde se la mire. Los personajes que con maestría componen Hawk y Delpy pueden ser encontrados en la calle un domingo a la tarde, sentados en la plaza o bebiendo en algun bar. Son tan reales que casi podemos tocarlos, y resulta difícil no sentirse identificado, aunque sólo sea en algunos aspectos, con ellos.

En un tiempo más que breve, estas personas llegan a conocerse (y amarse) más que otras parejas en toda una vida de noviazgo o matrimonio. Y eso es algo que verdaderamente puede ocurrir.

Lo mejor:
Los diálogos, con esa mezcla mágica de filosofía, cuestiones existenciales y trivialidades de la vida cotidiana.

13.12.2006Si hubiese que confeccionar una lista con los 10 mejores films policiales de todos los tiempos, "Harry el sucio" indudablemente figuraría en ella. Es un verdadero clásico, y tiene todo para serlo: una trama atrapante y bien desarrollada, una banda sonora sobresaliente (a cargo del gran Lalo Schifrin) y un villano implacable. Y por supuesto, tiene al personaje que le da nombre a la película: el amargo y cínico inspector Harry "Dirty" Callahan, interpretado por Clint Eastwood, quien parece haber nacido para este papel.

Callahan es uno de los policías mas recordados de la historia del cine. Y también uno de los mas rudos: armado con su poderosa Magnum .44, esta dispuesto a "limpiar" la ciudad, aunque deba hacerlo por medio de la violencia.

Harry sostiene que quien se dedica a violar la ley no esta en posición de exigir que sus derechos sean respetados. Sus métodos para combatir el crimen son cuestionables, pero efectivos: si tiene que matar al criminal, lo hará sin que le tiemble el pulso. La particular ideología del inspector Callahan ha sido el motivo por el cual, en su momento, se dijo que la película poseía un claro mensaje fascista.

Verdadera precursora en su género, "Harry el sucio" tuvo cuatro secuelas, ninguna de las cuales pudo igualarla en calidad.

Lo mejor:
El personaje de Harry Callahan, la trama, la banda sonora, los escenarios de la ciudad de San Francisco, los diálogos desbordantes de sarcasmo.

Frases favoritas:
Muchas, pero muy especialmente: "I know what you're thinking. "Did he fire six shots or only five?" Well, to tell you the truth, in all this excitement I kind of lost track myself. But being as this is a .44 Magnum, the most powerful handgun in the world, and would blow your head clean off, you've got to ask yourself a question: Do I feel lucky? Well, do ya, punk?".

29.01.2007Esta es una película sensacional, un film independiente de enorme repercusión que muestra el viaje (en moto) que dos amigos realizan a través de Estados Unidos, buscando materializar su peculiar versión del "sueño americano". Dicho así no parece gran cosa, y efectivamente el argumento es austero, pero debajo de la superficie se esconden muchas cosas (entre ellas una mordaz crítica al establishment y al "american way of life").

Los personajes son formidables. Peter Fonda, Dennis Hopper y Jack Nicholson brindan actuaciones increíbles como Wyatt, Billy y George Hanson respectivamente.

La amistad existente entre Wyatt (introspectivo, silencioso, reflexivo) y Billy (más extrovertido y pasional) es muy auténtica y tangible. Estos dos "rebeldes con causa" no necesitan abrazarse constantemente para demostrarlo. A veces basta con una mirada.

Y que decir de George, el abogado alcohólico al que Nicholson da vida con una actuación fuera de serie. Su espíritu es tan rebelde como el de Billy y Wyatt, pero a diferencia de ellos, tiene una posición social más acomodada. Sus delirios se hacen patente en casi todo momento, pero cuando se dispone a hablar seriamente, da lugar a algunos de los diálogos más agudos, reflexivos e interesantes de la película.

En general, todas las situaciones son muy naturales, a punto tal que el producto entero se asemeja más a un documental que a un film de ficción.

La fotografía, a cargo de Laszlo Kovacs, es excelente, y la banda de sonido forma con las bellas imágenes un todo indivisible, acompañando de manera inigualable, con sus letras y melodías, al espíritu del film.

Wyatt y Billy salieron a buscar "su" América. En el camino se encuentran con personajes amistosos, dispuestos a brindar su ayuda y su corazón, pero también chocan contra la hipocresía, la discriminación y las crueldades de una sociedad violenta e intolerante. La película es un fiel reflejo de su época, y como tal, debe ser interpretada en su contexto, teniendo en cuenta el lugar y el momento en que fue filmada. Realizando esta operación, se advierte cuánto de los ideales, las esperanzas, las desilusiones, los temores y los valores de fines de la década del año 1960 puede encontrarse aquí, y todo ello representado de forma única.

En síntesis, se trata de una película bellamente filmada (los paisajes impactan por su hermosura), competentemente actuada, magistralmente editada, con un gran trabajo de cámara y un final inolvidable e impropio de Hollywood.

Lo mejor:
"Easy rider" es un hermoso canto a la libertad, a la lucha por ser uno mismo (algo de lo que el establishment entiende muy poco). Los personajes nos invitan, en cierta forma, a acompañarlos en su viaje, a sentir lo que ellos. La sensación de libertad, efectivamente, se vuelve por momentos muy palpable.

Lo peor:
Uno se encariña tanto con los personajes que el final genera mucha impotencia. Sin embargo, es un gran final.

Frases favoritas:
-"Es muy difícil ser libre cuando te compran y venden en el mercado".

-"We blew it" ("Lo arruinamos").