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08.10.2007Aunque para ello tenga que verla también absurda… Este film será un deleite para quien quiera ver la vida como el maravilloso Roberto Benigni, podrá disfrutar de una fotografía si no excepcional, si impregnada de poesía, una cinta que no decae en ningún momento, un guión cargado de pasión, activo y vivaz como es su primer actor, acompañado por una inexpresiva Nicoletta Braschi, que al final no le quita ni le pone nada pero todo sale bien.

Sin embargo, hay otro punto de vista que vale rescatar y es el de los que no quieren ver la vida con el lirismo y entusiasmo de Benigni, este director tan apasionado por la belleza como por el optimismo, que invita a vivir la vida por la ruta más bella, aunque repito, eso signifique caer en lo absurdo.

Para mi el director y actor italiano falla al repetir la fórmula con que deleitó al mundo en 1997, hablándonos de un conflicto contemporáneo, la guerra iraquí; aunque me gusta el mensaje oculto y bien entendido por quienes vetan la película en el país del Norte, indudablemente, resulta muy difícil explicar al pueblo norteamericano que no siempre se puede ser el bueno de la película: que unas veces son ellos los que llegan con los tanques victoriosos a salvar a la humanidad y en otras ocasiones, son ellos también los que detienen a todo lo que respira, sin contemplaciones, ante la indignación de cualquiera que tenga dos dedos de frente.

El mensaje de fondo de Benigni sigue siendo la misma filosofía de entonces: la esperanza puede movernos incluso en las situaciones difíciles; poesía y humor son las herramientas de supervivencia más potentes con que cuenta el ser humano, “una sonrisa como paraguas”… esa podría ser una verdad indiscutible; pero en esta ocasión ocurre que el exceso de buena voluntad resulta contraproducente y desarma buena parte del planteamiento del film.

La hermosa primera mitad de la historia, mi favorita, narra un amor aparentemente imposible y los divertidos intentos de seducción de Attilio hacia Vittoria. Mientras que en la segunda parte, Benigni dibuja unas pinceladas demasiado suaves de la tragedia circundante; no podemos imaginarla al desconocer todos los detalles de esta guerra informativamente velada y lo que ésta significa para el pueblo de Irak.

Me parece que El Tigre y la Nieve se concibió como un homenaje a la poesía, y que buena prueba de ello es su personaje principal, Attilio, que narra un entrañable cuento cargado de buenas intenciones al más puro estilo del realizador italiano, y haciendo de algunos instantes verdaderamente mágicos y agradables.

Es una cinta recomendable para aquellos que gusten impregnarse de un poco de lirismo esperanzador, para aquellos que quieran entran un momento en el mundo de Benigni donde la fe es un componente indispensable : )

Lo mejor:
El estilo romántico, loco y lírico de Roberto Benigni

Lo peor:
La caída en lo absurdo, la cuasi inexpresividad de Vittoria

27.06.2007Tal vez a muchos les pasó lo que a mi: al ver juntos a Juliette Binoche, Jude Law, Robin Wright Penn; dirigidos por Anthony Minghella; quería ver un buen film… sin embargo, resultó fallido el intento del cineasta de lograr un drama convincente.

Como film, explora en su veta dramática las familias disfuncionales y cómo un hecho criminal desencadena impredecibles cambios en la vida de estos personajes. Un mejor resultado podría haberse logrado de haber sido mas contundente desde su narrativa y comprometido desde su visión con este drama familiar; que tenía todo: la realidad sociopolítica, el drama, las familias… aunque debo resaltar que como conocedor de su Londres natal Minghella entrega una pintura impecable del entorno donde hay personajes conflictuados que accidentalmente interactúan entre si y mas allá de un resultado fallido, es bueno el acercamiento que se hace a las relaciones y conflictos que exponen estos, pero que lamentablemente no alcanza cuando el conformismo y la sensiblería inundan la trama...

Jude Law tiene esta fantástica combinación de estilo, seducción e intensidad; verlo es un placer (por lo guapo que está); Juliette Binoche en otro de sus sufridos retratos a los que otorga su enorme talento en la medida dramática exacta en un personaje interesante que demuestra por un lado el cuidado y la devoción incondicional de una madre y por otro una faceta de amante que la libera sexualmente y que altera su rutina de vida; mientras que Robin Wright Penn es una interprete siempre digna de ver aunque no aparezca constantemente en pantalla, con una sutileza que pocas actrices poseen para transmitir la desesperanza por su relación matrimonial y la preocupación y cuidado extremo por el estado de salud de su hija.

Entonces, en el elenco encontramos figuras de primer nivel con un trío actoral que Minghella no desaprovecha y que pese a las limitaciones, inconsistencias y resoluciones insatisfactorias del guión, solo el talento interpretativo de estos logra infundirle al relato algo de interés a un absurdo desenlace, demasiado empalagoso, que al caos imperante devuelve un orden natural donde todo sigue igual, como si nada hubiera pasado.

Lo peor:
Narrativa y guión

04.06.2007“Venus” es una película estupenda que tiene un poco de todo, es un film que se mueve entre la comedia y el drama, en momentos el guión puede hacerte soltar una carcajada y en momentos… te descubrirás pensativo y quizá dejar caer una lágrima; pero todos los momentos se combinan entre sí de forma sublime.

Cuenta una historia no muy previsible del "enamoramiento" de un veterano actor de teatro y una joven, quien se encariña de su carisma y ternura. La relación se muestra con un tono perfecto: con sensibilidad y muy buen humor, especialmente acertado en los diálogos.

Estamos frente a una comedia dramática deliciosa en la que brillan de forma fulgurante varios de los grandes de la escena y las tablas del Reino Unido: Peter O’Toole, Leslie Phillips, Jodie Whittaker, Richard Griffiths, Vanessa Redgrave. Un verdadero lujo de disfrute cinematográfico que cuenta una historia muy humana dejando ver esa parte no tan glamorosa de la vida de los actores, en este caso, porque creo que refleja de una manera muy acertada el final de la vida de cualquier ser humano, que sobrevive de una forma más o menos digna gracias a su trabajo pero que necesitan seguir en la brecha porque su trabajo no solo es lo que les da de comer, es lo que da sentido a su vida.

Peter OToole, proyecta aquí un admirable equilibrio mental; compone magistralmente un personaje entrañable, y lo dota de un enorme carisma. Su química con la joven Jodie Whitaker no puede ser más evidente, y tanto Leslie Phillips como Richard Griffiths ejercen de estupendos secundarios, la música es un elemento indispensable para acompañar el relato: aquí suena mucho y suena bien.

El director Roger Michell cuenta aquí con una pareja con la que trata de crear una relación que mantenga su atractivo para el espectador; el que lo consiga dice mucho a su favor; esta mezcla de ternura, fina ironía y algunos toques de melodrama, fácilmente podría caer en una historia sensiblera y que sin embargo Roger Michell logra evitar. El film se apoya en un sólido guión con unos personajes bien construidos, con dos partes bien diferenciadas, la primera más irónica, y una segunda más dulce. Venus llega a tener algunos momentos brillantes de fino humor británico.

Creo que como telón de fondo, la cinta rinde un profundo, sentido y muy necesario homenaje a los grandes actores ya retirados y lamentablemente, casi olvidados. Peter O’Toole da vida de una forma maravillosa a Maurice, llenando la pantalla con cada aparición, haciendo de cada mirada y cada gesto una auténtica lección de interpretación; irremediablemente atraído por la frescura y la juventud de su nueva amiga; intentando flirtear con ella constantemente, dentro de sus posibilidades.

Ella rechaza sus ataques de forma contundente en ocasiones, pero a la vez se va quedando enganchada de él. Entonces entran en un juego de tira y afloja, de límites y permisividad, ella juega con él físicamente y él a su vez lo hace intelectualmente, disfrutando ambos de la compañía mutua, pero sabiendo en todo momento que se mueven en aguas turbulentas.

Es admirable el vigor interpretativo de Peter O’Toole, que sigue consiguiendo transmitir emoción, tanto en los momentos más dramáticos como en los que intenta seducir a la chiquilla o cuando se deja someter por ella.

Hermosa, delicada, impactante y tierna, "Venus" deja tan buen sabor de boca que, probablemente, querrás repetir.

Lo mejor:
Interpretación de Peter O’Toole; música

24.05.2007Florian Henckel von Donnersmarck, director y guionista de “La vida de los otros” nos ofrece en principio una trama sencilla: el film se desarrolla en Berlín del Este (1984), Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) un frío y meticuloso agente de la Stasi, tiene una nueva misión: espiar a Georg Dreyman (Sebastián Koch) un célebre dramaturgo cercano al régimen. Bajo este escenario la película parece destinada a la monotonía de historias de espías conocidas; sin embargo, el director logra entregarnos un film íntimo y reflexivo.

“La vida de los otros” nos habla de la soledad, el miedo y la traición encajados en un tiempo y un lugar determinados, pero sin limitarse a ese lugar y ese tiempo; este es su mayor acierto, porque permite que la narración trascienda las fronteras de Alemania, huye totalmente de los lugares comunes, al punto no mostrar ni una sola imagen del muro de Berlín en toda la cinta.

El cromatismo reducido nos adentra en un universo cerrado y, a veces, opresivo en el que se desenvuelven los personajes como si estuvieran prisioneros, la sensación de estar atrapado en uno u otro sitio acompaña a toda la película; esto por el uso privilegiado de los espacios cerrados por sobre el rodaje en exteriores. La abundancia de primeros planos y planos medios enriquecen la fotografía que está bien lograda.

El film muestra un mundo de espías espiados y de escritores sin libertad de expresión, donde cada uno está destinado a cumplir el rol que la autoridad quiere que ocupe, sin posibilidad de cambiar; inmersos en una sociedad que aspira a la felicidad socialista, pero con conflictos que se desarrollan ante una pérdida absoluta de libertad que desemboca en una tasa de suicidio escandalosa.

“La vida de los otros” demuestra que las personas no sólo cambian, sino que pueden llegar a ser lo opuesto de lo aparentan; llevando al extremo esta consigna con el temible agente Gerd Wiesler, encargado de vigilar a Dreyman, pues evidencia que este personaje puede albergar en su interior a un “hombre bueno”. Toda la tensión del film está destinada a tal evidencia. Wiesler es un tipo gris, sin amigos, ni pareja. Su trabajo consiste en investigar la vida de los otros, pero él mismo no tiene una vida propia. La cámara acentúa esto: la gran mayoría de las veces el personaje aparece justo en la mitad del cuadro, dándonos una sensación de infinita soledad que hará que muchos lleguemos a compadecerlo. Pero en un momento dado en vez de vigilar a su objetivo se involucra con él y su entorno, saliéndose de su frialdad metódica y fanática, para emocionarse con el arte al conmoverse con la “Sonata de un buen hombre” que Dreyman interpreta al piano.

No todos los aspectos de la película son impecables, hay momentos que se alargan demasiado, hacia la mitad de la película, la historia pierde su fuerza narrativa y cae en una laguna. Por otra parte, las motivaciones y los actos de la novia del escritor, no siempre están suficientemente claros y da la sensación de ser un personaje sin definición… Son solo detalles porque este film se consolida y te atrapa gracias a la austera y sólida actuación de Ulrich Mühe y también a una musicalización que deleita a cargo de Gabriel Yared, a una buena fotografía y, sobre todo, a un director que a pesar de estar debutando demuestra saber perfectamente lo que quiere lograr. El resultado es un film inteligente, profundamente apegado a la realidad y profundamente idealista a la vez.

Cuando termina la película hay un silencio tan único y especial, un silencio de reflexión y conmoción ante lo ocurrido, y queda en la mente la imagen de Wiesler, el hombre bueno. Es una de esas películas que te dan ganas de aplaudir; es de las películas te reconcilia con las cosas buenas de la vida y te deja pensar que la vida de los otros es eso… la vida de los otros.

Lo mejor:
Actuación sobresaliente de Ulrich Mühe; dirección, cinematografía, música, fotografía, dirección artística

Frases favoritas:
En la escena final, dentro de la librería:

dependiente: ¿Se lo envuelvo?

Wiesler: no, es para mi

24.04.2007"El laberinto del fauno" es una muestra constante de retos visuales, es en realidad una delicia, inteligente, profunda, y mágica: un cuento de hadas que en ningún momento se pretende para públicos infantiles, aunque consigue convertir a su público adulto en niños asustados y maravillados.

El film inicia ubicando la época y el contexto de la posguerra civil española, en el año de 1944…. el triunfo franquista se impone a sangre y fuego contra la resistencia de los guerrilleros rojos, que se niegan a aceptar la imposición fascista y su supuesta paz tras la Guerra Civil. Carmen (Ariadna Gil) y su hija Ofelia (Ivana Baquero) se mudan a donde ha sido asignado el inclemente capitán franquista Vidal (Sergi López). En el molino que hace las veces de puesto de mando de Vidal se encuentran también Mercedes (Maribel Verdú), su ama de llaves y el doctor (Alex Angulo) que se encarga de cuidar la salud de Carmen, su esposa.

En el opresivo ambiente que la rodea, con un padrastro infame y una constante turbulencia por la guerra, Ofelia descubre un mágico mundo en el que, guiada por un fauno (Doug Jones), le es revelada una asombrosa noticia: ella es una princesa que debe regresar a su reino.

En este sublime acercamiento a la crueldad en torno a la infancia, Del Toro no sólo muestra a través de la transposición de realidades el perturbador periodo histórico que recrea, sino que, y más importante aún, enfatiza la necesidad de ejercer la imaginación como método de supervivencia en ambos lados del metafórico espejo que refleja la realidad a través de la fantasía.

Para muchos el tema puede resultar polémico por infinitas razones, y/o no soportarán la mezcla de realidad y fantasía… tal vez en las guerras no haya buenos y malos, pero es inevitable que en los cuentos sí los haya, tal vez no es el film que muchos se esperan, pues no se trata de una película fantástica, no responde a las imágenes de seres extraños que tanto se nos han vendido en los tráilers y fotografías. La parte fantástica se podría decir que sirve para dotar a la cinta de una dimensión mágica, para hacerla diferente y original, en cierto modo, Guillermo del Toro envuelve y adorna la fría realidad a través de la cálida y fantástica mirada infantil.

En El Laberinto del Fauno nos encontramos con un reparto acertadísimo, en el que destaca un Sergi López realmente formidable, ejecuta a la perfección el papel de un hombre despreciable, sin atisbo de humanidad al que deseas ver muerto por momentos.... El resto del reparto encaja perfectamente en sus personajes, una muy buena Maribel Verdú, Ariadna Gil y un papel discreto pero al que le da forma un genial Alex Angulo, el médico. Ivana Baquero, que hace de la pequeña Ofelia, quien lleva el hilo argumental, con aquella mirada perpleja de inocencia, sin recargamientos ni artificios, que destila sencillez y ternura y hasta dan ganas de consolarla, de sacarla de ese mundo tan atroz que le ha tocado vivir.

La película no da tregua ni un momento, gracias a una narración equilibrada que nos mantiene pegados a la pantalla, en todos los sentidos, “El Laberinto del Fauno” es un goce visual y mental, donde Guillermo del Toro hace su obra más redonda, quizá por producirse él mismo.

Es cine fantástico de calidad, que te hace pensar al salir del cine y te obliga a dividirla para encontrar sus significados ocultos, sin embargo para disfrutar de ella tienes que estar abierto lo imaginario; aunque sin duda “El Laberinto del Fauno” ofrece mucho, muchísimo, más… entre otras cosas un final maravilloso.

En resumen es una película muy recomendable, entretenida y amena que se ve sin esfuerzo, la cual cautiva gracias a su indiscutible cualidad visual pero bajo la cual yace una historia terrible, terrible como lo son todas las guerras, con su contrapunto fantástico, poblado de hadas.

Lo mejor:
dirección artística, Sergi López, el dúo Doug Jones/Pablo Adán, los efectos visuales, la historia, la atmósfera...

Son magistrales las caracterizaciones del fauno, de las hadas, y del monstruo con ojos-manuales

Frases favoritas:
"Porque obedecer así porque sí, eso sólo lo hace gente como usted"

13.02.2007Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser las grandes protagonistas, una nueva representación de ese mundo femenino al que Almodóvar ha dedicado tantas películas y que tan bien sabe describir.

Cinco personajes le bastan para dibujar la intensidad femenina: Raimunda (Penélope Cruz en la mejor interpretación de su carrera o de su vida ajaja!!!, mérito completo de Almodóvar, casi milagroso: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente), madre sufridora, mujer luchadora sin peros, fuerte, pero emocionalmente fragil; Sole (Lola Dueñas), la ingenua y buena hermana de Raimunda; Irene (Carmen Maura), la madre de ambas, mujer lúcida en su aparente locura; Paula (Yohana Cobo), la hija de Raimunda; y Agustina (Blanca Portillo), la mujer más entregada, la más generosa y la más silenciosa.

Almodóvar deja a estas mujeres en una trama inverosímil, aunque tan bien narrada que resulta coherente. Eso es contar una historia, y Almodóvar lo hace con una honestidad y una claridad de ideas que impresiona y que todo espectador que tenga la capacidad de percibir, sintonizándose con la sensibilidad del autor podrá disfrutar de igual modo. Con un guión preciso que sabe moverse entre la comedia y el melodrama, Almodóvar habla de las pasiones universales, las que nos identifica y nos aventura a todas, expone sentimientos a flor de piel, explora los ecos que el pasado le impone al presente, por mucho que se pretenda borrar sus huellas. También hace un alto para rescatar el compromiso y a las segundas oportunidades, que están a cada paso, y están solo para ser tomadas.

El film arranca con una secuencia para mi excepcional: las mujeres limpian las tumbas de “sus hombres” muertos, moviéndose al ritmo de una alegre canción y conversando entre ellas mientras se pasan los títulos de crédito, si se ama lo visual, te atrapa desde ahí, la música, las letras, el viento, las caras, los gestos, es un cúmulo de sensaciones que no te sueltan hasta el final.

Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya. Hay un impecable acabado visual, una fotografía limpísima de José Luis Alcaine y la melancólica partitura de Alberto Iglesias.

De de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, pero Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una buena actuación (que no es para oscar por cierto); Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando por lo natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.

Volver es un estupendo ejemplo de cómo tratar en profundidad la psicología de los personajes, quienes llegan a ser completamente conocidos y comprendidos por el espectador. Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Lo mejor:
Almodóvar no deja de ser un narrador con un gusto exquisito por sus propios paisajes, ya sea un espacio geográfico muy particular o un alma femenina (sus paisajes interiores).

El tango que canta Raimunda.... Volver....

Lo peor:
la nominación de Penélope Cruz... está guapa, todo lo que quieran, pero la nominación es a "mejor actriz"... no se en que están pensando...

08.11.2006La trama puede ser fascinante, pero decepciona su simple inserción en la tradicional fórmula de la comedia romántica… el asunto es el siguiente, cuenta la extraña relación que a lo largo de varios meses se da entre Alex (Keanu Reeves) y Kate (Sandra Bullock). Ella es una solitaria doctora y él es un arquitecto que se muda a una casa a orillas del lago Michigan, que aparentemente ella habitó antes. ¿O fue después?... pues bien, la pareja se comunica por cartas a través del tiempo, Alex escribe mensajes en el año 2004 y Kate los recibe en el año 2006… vamos a ignorar las causas del extraño fenómeno, la pareja empieza a enamorarse "a larga distancia", pero cuando tratan de reunirse se dan cuenta de que no será tan fácil... además de que hacerlo podría conducir a una tragedia.

Con semejante historia se podría pensar que el guionista se las habrá visto negras para explicar con cierta coherencia cómo es posible tal enredo, pero afortunadamente no lo hace, dejando que la magia del relato se desarrolle de forma natural, como si fuera algo que nos pudiera pasar a cualquiera en nuestras vidas… claro, siempre habrá que tragar algunas contradicciones e imposibilidades pero, dentro de todo, creo que los guionistas hacen un buen trabajo conciliando la lógica "real" con la lógica imaginaria del viaje temporal.

Para mi el éxito o fracaso de la película estará en el gusto del espectador por los clichés del cine romántico y por el poco o mucho aprecio que sientan por la pareja de actores principales… quizás estos actores no ofrezcan actuaciones sobresalientes, pero funcionan adecuadamente en el simple entorno de la película.

Lo mejor:
el corte de cabello de Sandra Bullock, le queda bien : )

30.10.2006La película cuenta una vez más la típica historia de muchachos problemáticos que gracias a la figura de un adulto enormemente responsable y con las respuestas sobre los secretos de la vida, les hace subir su autoestima y salir de cualquier problema en el que se vean envueltos. Todo contado de una forma terriblemente superficial. Tanto que desde el primer minuto ya sabes cómo van a ir desenvolviéndose las cosas, y también cómo va a terminar todo.

Creo que lo mejor de la película es el montaje, y bueno la directora Liz Friedlander, dirige videos musicales, sería el colmo que fallara eso también. Todas las escenas están perfectamente montadas, sin caer en efectismos poco reales, para mi ese es un mérito contando con que Banderas no es bailarín profesional como una gran parte del reparto.

Pero ahí se acaba todo, y evidentemente no llega a satisfacer. Como ya he dicho, la historia está más que trillada. Los personajes son esterotipos de esterotipos, y prácticamente ninguno es interesante, por no hablar de ciertas incongruencias argumentales, que se dan sobre todo al final de la película.

Lo mejor:
la bailarina que acompaña en el tango a Banderas, ella baila mientras él posa...

Lo peor:
tomar el nombre y la obra de Pierre Dulane para una producción mediocre...

25.09.2006Tal vez a muchos les parezca una obra sobrevalorada, típica de Hollywood, recursos impresionantes, efectos digitales no necesarios... pero vamos a darle crédito a la producción musical, a la fantasía y al romance; tres ingredientes que pueden sumergirnos por momentos en un suspiro fascinante, huyendo de cualquier planteamiento realista, pues es una historia romántica a morir, conjuga una serie de impactantes números musicales que encajan y adornan el escenario. Una obra de arte hecha por Baz Luhrmann en la que se cuenta la historia de amor entre una prostituta del Moulin y un joven y bohemio escritor.

La han calificado de vacía, y plana, exagerada o aburrida, pero para mi no es así, tal vez el guión es muy simple o muy trágico para muchos, pero vamos la historia es preciosa rodeada de un colorido, belleza y exquisitez enormemente gratificantes con una historia de amor en medio.

La dirección magnífica. Nicole Kidman en absoluto perfecta en ese papel.

Lo mejor:
banda sonora, vestuario, guión (trágico pero bien adaptado)

Extraordinaria puesta en escena, fotografía muy buena

25.09.2006La trama es fantástica, te tiene pegado a la pantalla las dos horas y pico que dura... Al Pacino es genial, un diablo viejo y diablo. El guión es excelente, para disfrutarla al máximo.

La segunda parte de la película, cuando se va desenredando la trampa del diablo es impredecible y genial hasta llegar al final.

El diablo desgrana su pensamiento, y no se si les pasa, pero no se puede mas que estar de acuedo con él (con el diablo). En esta última parte el guión se lleva los aplausos, diálogos inteligentes, una evolución lógica de la trampa del diablo, unido al magistral diseño de producción que muestra ese impresionante mural viviente, hace que el final te deje sin palabras.

Lo mejor:
Al Pacino, dirección, guión

Frases favoritas:
"Te dire algo sobre Dios: es el peor casero del mundo".

"La vanidad, es mi pecado favorito"